Rafael Sanzio

RAFAEL SANZIO

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 - Roma, 6 de abril de 1520), también conocido como Rafael de Urbino, o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura, y como inspector de antigüedades se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.


Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La Escuela de Atenas, considerada una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y la gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto a MIguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los maestros del período.


Nació un Viernes Santo y falleció en esa misma festividad el día que cumplió los 37 años de edad. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y a pesar de su muerte prematura dejó una extensa obra que en parte aun se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojada en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar, a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.


Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época, aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo por la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraron con él. 


Su carrera se dividió en tres fases y tres estilos: sus primeros años en Umbría, el período posterior de cuatro años en Florencia (1504 - 1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

Nació en Urbino, una pequeña ciudad de Italia central, localidad pequeña pero importante desde el punto de vista artístico, donde su padre, Giovanni Santi era un pintor de la corte del duque. En la pequeña corte Giovanni fue integrado en el círculo íntimo de la familia en un grado superior al que era habitual en otras cortes italianas, bajo un gobierno con importante centro de cultura literaria y artística.


Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari. Se movió con comodidad en las altas esferas sociales durante toda su vida, lo que ha sido uno de los factores que han contribuido a dar una falsa impresión de una carrera artística fácil. 


Tras el fallecimiento de su padre, en 1494, queda bajo la tutela de un tío paterno y acude al taller de Timoteo Vitti, pintor formado en el estilo de Francia y de Costa, resultando una de las primeras influencias para el joven artista. Años más tarde acudirá al taller de Pietro Vanucci, el Perugino para completar su formación. La estancia en Perugia servirá para que Rafael asimile las tonalidades claras, las elegantes composiciones y el paisaje espacioso de su maestro. 


Su primera obra documentada fue Retablo Baronci para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino, en Cittè del Castello, una ciudad a medio camino entre Perugia y Urbino. Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo la Crucifixión Mond (1503), y los Despositorios de la Virgen  en la Pinacoteca de Brena, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi. Se trata de obras mayores , algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo de Perugino. En estos años también pinta muchas pequeñas y exquisitas pinturas de caballete, como Las Gracias, El sueño del caballero y empezó a pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.


Rafael lleva una vida nómada trabajando en distintos lugares del norte de Italia, pero pasando una buena parte de su tiempo en Florencia, quizás desde el año 1504, y. aunque se hable que su período florentino duró desde 1504 a 1508, lo más probable es que no haya vivido allí de manera continua. 

Como anteriormente con Perugino y otros, fue capaz de asimilar la influencia del arte florentino, respetando la evolución de su propio estilo. Los frescos que hizo en Perugia alrededor de 1505 muestran una nueva calidad monumental en las figuras, que podría evidenciar la influencia de Fra Bartolomeo, aunque la influencia más asombrosa de este período fue la de Leonardo da Vinci, quien volvió a la ciudad entre 1500 y 1506. Las figuras de Rafael comenzaron a tomar formas más complejas y dinámicas, y aunque los temas eran mayoritariamente reposados. Comenzó a hacer bocetos de hombres desnudos luchando, una de sus mayores obsesiones en aquel período florentino. En la Royal Collection hay un dibujo de Rafael de la obra perdida de Leonardo, Leda y el cisne, del que tomó la postura del contrapposto para su Santa Catalina de Alejandría. Además supo conservar en sus obras la suave y clara luz de Perugino.


A finales de 1508 se trasladó a Roma donde entra al servicio del papa Julio II, probablemente gracias a la recomendación de su arquitecto Donato Bramante, quien por entonces trabajaba en la Basílica de San Pedro, era natural de Urbino  y tenía alguna relación con Rafael. El joven artista recibió rápidamente el encargo de decorar al fresco lo que habrá de ser la biblioteca privada del pontífice en el VaticanoEra un proyecto mucho más importante y extenso que cualquiera en el que hubiera trabajado hasta ese momento no había pasado de hacer algún retablo en Florencia. 


La primera de las célebres staze que comenzó a pintar es la conocida como Stanza della Signatura, produjo un impacto extraordinario en el arte romano. Hoy día continua siendo considerada la obra maestra del pintor, pues contiene La Escuela de Atenas, El Parnaso y La Disputa del Sacramento, que con algunas de las obras más conocidas del pintor. Como consecuencia del gran éxito, le fueron encargadas nuevas estancias, desplazando a otros artistas previamente contratados. Concluyó tres de ellas, todas con pinturas en sus muros, y a menudo también en los techos. La muerte de Julio II, en 1513,  no interrumpió los trabajos, pues su sucesor, el papa lEón X, un medici, estableció una relación cercana con el artista que continuó recibiendo encargos.


Los proyectos del Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo, aun así pintó algunos retratos, incluyendo los de sus mecenas, Julio II y León X, el primero de los cuales es considerado como uno de sus mejores retratos. Uno de los encargos papales más importantes fueron la serie de los Cartones de Rafael, una serie de diez cartones para tapices, de los cuales han sobrevivido 7, y que representan escenas de la vida de San Pablo y San Pedro, hechas para la Capilla Sixtina. 

Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la Basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derribadas o modificadas después de su muerte, pero sobreviven unos pocos diseños. 


Un imponente edificio, el Palazzo Branconio dell Aquila del chamberlán de León X fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza dieñada por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos de la fachada y del patio. La fachada gozaba de una abirragada decoración, inusual para la época, incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior, como profusión de esculturas en el piso intermedio. El diseño básico de la Villa Farnesinano fue de Rafael, peo él diseñó y pintó la Capilla Chigi para su propietario,Agostino Chigi, tesorero del papa. Otro edificio, para el doctor del papa León, el PAlazzo di Jacopo da Brescia y que actualmente se mantiene en pie, fue diseñado como complemento de un palacio en la misma calle, obra de Bramante, donde el mismo Rafael residió por algún tiempo. En 1515 le fueron otorgados poderes como Prefecto, sobre todas las antigüedades que se desenterraban en la ciudad y hasta una milla alrededor de ésta. 


Finalmente, también se lo considera como uno de los dibujantes más finos en la historia del arte occidental y uno que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones. Han sobrevivido unos cuarenta bocetos de la Disputa de las Estancias Vaticanas, y probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas que se tienen actualmente de sus pre diseños. La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso los bocetos iniciales con figuras desnudas están cuidadosamente hechos, y los posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de acabado, con sombreado y a veces zonas iluminadas en blanco. En sus últimos años fue uno de los primeros artistas en usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que habitualmente se usaban hombres para el estudio de ambos sexos. También se destacó en grabados, siendo algunas de sus obras más conocidas (en colaboración con Marcantonio Raimondi), Lucrecia, El juicio de Paris y La masacre de los Inocentes. 

Museo Vincent van Gogh, Amsterdam

MUSEO VINCENT VAN GOGH, AMSTERDAM

El Museo van Gogh es una piacoteca ubicada en Amsterdam, Países Bajos, que alberga la colección de obras del pintor holandés Vincent van Gogh. Este museo se encuentra en la Museumplein, la zona de los museos de Amsterdam, entre el Rijsmuseum y el museo Stedelijk.

En ningún otro museo del mundo el amante del arte encontrará tantas obras de Vincent van Gogh reunidas: una colección permanente de alrededor de 200 pinturas, además de 500 dibujos y grabados y unas 700 cartas que van Gogh escribió, en gran parte a su hermano menor Theo, como también obras seleccionadas de artistas contemporáneas de van Gogh, tales como Gaugin, Monet y Signac, entre otros.

El museo consta de dos estructuras construidas en épocas diferentes: el edificio principal fue diseñado por el arquitecto Gerrit Rietveld en 1963/64, y a su muerte prosiguieron los trabajos sus colegas Joan van Dillen y J. van Tricht. El museo se inauguró en 1973 y con el paso del tiempo sufrió diversas modificaciones, la más importante en 1999 con el agregado de una nueva ala, obra del arquitecto japonés Kisho Kurokawa, financiada con donaciones de The Japan Foundation (organización dependiente de una compañía de seguros de Tokio). A partir de entonces el viejo edificio alberga solo la colección permanente, mientras que el nuevo sector presenta exposiciones temporales y oficinas. Antes de adentrarnos un poco más en el museo, aquí algunos consejos a la hora de visitarlo:

• Al igual que sucede con el Rijksmuseum, no está permitido tomar fotografías ni videos dentro del Museo Van Gogh.
• El Museo van Gogh es completamente accesible para personas con alguna discapacidad. Existen rampas de acceso y elevadores con servicio en todos los pisos del edificio. También se ofrecen gratuitamente sillas de ruedas para aquellos que necesiten usarlas dentro del museo.

• El Museo posee la colección más grande de obras (pinturas) del artista, ordenadas cronológicamente. La colección está diseñada de esta manera para mostrar su evolución cronológica durante su atormentada vida.
• Durante el verano, y otros momentos del año el museo recibe a una enorme cantidad de visitantes. Por tal motivo es recomendable comprar los billetes con anticipación, de modo de no tener que realizar largas filas para la compra de billetes.

En su atormentada y corta vida (1853 - 1890), Vincent van Gogh produjo 864 pinturas, 150 acuarelas y 1037 dibujos en el término de solo 10 años, antes de sucumbir al embate de una enfermedad mental que lo afectó durante toda la vida y lo llevó al suicidio. Fue su hermano menor Theo la única persona que lo comprendió y lo asistió económicamente y a quien dirigió cientos de cartas. A su muerte solo había logrado vender un par de cuadros, y toda la colección quedó en manos de Theo, quien falleció poco tiempo después. 

Después de la muerte de Theo, su viuda, Anna van Gogh-Bonger heredó la colección y fue gracias a ellaque la obra de Vincent se hizo conocida. Si bien vendió parte de sus obras, especialmente las que Vincent reproducía varias veces, conservó buena parte de ellas, especialmente las más representativas de cada etapa creativa. Cuando Johanna falleció en 1925, su hijo, Vincent Willem van Gogh conservó las obras hasta 1926, cuando se firmó el acuerdo con el estado holandés cediéndole a la Fundación van Gogh la colección completa del genial pintor, así como obras de Gaugin que van Goghhabía conservado,  y cientos de dibujos y de cartas. Esta fundación fue la base del futuro Museo Van Gogh.

Entre las obras presentes más destacadas se encuentran:

• De sus primeros años hasta 1886:Casas de campo, Iglesia Nuenen con feligreses, Calavera con cigarrillo, Comedores de patatas, Mujer con pelo suelto, Naturaleza muerta con tres botellas.
• De 1886 a 1887, comprende sus obras realizadas en París:Autorretrato con sombrero, Vista de los tejados de París, Autorretrato con pipa, Naturaleza muerta con botella y limones, Un par de botas, Boulevard de Clincy, El puente de la Grand Jatte sobre el Sena, Entrada de un restaurante en Asnières.
• De 1888 a 1889, abarca las obras realizadas en Arles: La casa amarilla, ANciana de Arles, Barca de pesca cerca de Saintes-Maries, El zuavo, La habitación de van Gogh, Girasoles, Camille Roulin, Hombre tuerto, Melocotonero en flor, Peral en flor, Silla de Gaugin.
• De su estancia en el hospital de Saint Remy, 1889 a 1890: Vestíbulo del hospital de Saint Paul, Almendro en flor, Olivar con el cielo azul, Pietá, Trigal con segador a la salida del sol
• De su estancia en Auvers hasta su muerte: Vista de Auvers, Trigal con cuervos, Trigal bajo un cielo tormentoso, Jardín de Daubigny, Amapolas y mariposas, Raíces y troncos, Espigas.

Entre los artistas que sea fueron amigos de Vincent van Gogh, sea él admiraba y le sirvieron de inspiración, cuyas obras fueron parte de la colección permanente podemos citar a Gaugin (Van Gogh pintando girasoles, Autorretrato, Mangos), Manet (El muelle de Boulogne-sur-mer), Monet (Paisaje costero, Molinos de Westzjdervald neer Zaandam) y Toulouse-Lautrec (Polvo de arroz), entre otros pintores neoimpresionistas  o post- impresionistas. Desde Septiembre 2012 hasta principios de abril del 2013 el museo permanecerá cerrado por refacciones. 

Rembrandt Harmeszoon van Rijn

REMBRANDT HARMESZOON VAN RIJN

Rembrandt Harmeszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606 - Amsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo, con seguriidad, el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con la llamada edad de oro holandesa, período en donde florecieron la cultura, la ciencia, el comercio y el poderío e influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en su juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal, y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de practicamente todos los pintores holandeses. Entre los mayores logros de Rembrandt están sus magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. 

Rembrandt Harmoszoon van Rijin nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. De familia acomodada, Rembrandt recibió su educación básica en latín y posteriormente asistió a la Universidad de Leiden. Según sus coetáneos, el joven ya manifestaba una marcada afición a la pintura que lo llevó a convertirse en aprendiz de un pintor histórico de Leiden, Jacob van Swanenburgh, con quien estudiara durante tres años. Tras un breve e intenso aprendizaje con Pieter Lastman, Rembrandt inauguró su propio estudio en Leiden entre 1624 y 1625.

A finales de 1631 Rembrandt se mudó a Amesterdam, la capital de negocios del país, y comenzó a trabajar como retratista profesional con creciente éxito. Alojado temporalmente en casa de un marchante de arte llamado Hendrik van Uylenburg, en 1634, contrajo matrimonio con su prima Saskia. 

Rembrandt siempre vivió por encima de sus posibilidades, invirtiendo en arte y todo tipo de curiosidades. En 1656 ya se tomaron ciertas medidas en los juzgados para impedir su declaración de bancarrota, y el artista tuvo que vender la mayoría de sus pinturas  y buena parte de sus colecciones de arte. La lista de objetos subastados se ha conservado y da una idea de las posesiones materiales del autor: dibujos y pinturas de los viejos maestros flamencos, bustos de emperadores romanos, fragmentos de armaduras japonesas  y curiosidades traídas del Extremo Oriente y una colección de rarezas naturales y minerales. los beneficios de estas ventas resultaron decepcionantes, y en 1660 Rembrandt se vio obligado a vender su casa y mudarse a un apartamento más pequeño. 

En 1661 recibió un encargo de realizar una pintura para el recién construido ayuntamiento, pero solo después de que Goren Flinck, el artista que había recibido inicialmente el encargo falleciese sin dar una sola pincelada. Desgraciadamente aquella obra La conspiración de Claudius Civilus fue rechazada y devuelta al pintor. Fue por entonces que Rembrandt, gravemente afectado por la edad y la pobreza, admitió a Aertde gelder como su último alumno. Hacia 1662 aun recibía encargos importantes de retratos de las personalidades de su entorno. El mismo Cosme III de Médici, Gran Duque de Toscana visitó a Rembrandt en su domicilio, cuando llegó a Amsterdam, en 1667. Rembrandt falleció apenas dos años después, el 4 de octubre de 1669.

A principios del siglo XX, algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas, casi 400 grabados y cerca de 2000 dibujos. Investigaciones realizadas en 1960 hasta la actualidad han reducido esta cifra a unas 300 pinturas, aunque no sin generar cierta polémica. Es probable que Rembrandt realizase más de 2000 dibujos que se le atribuyen, pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos.

A lo largo de su carrera Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Estilísticamente su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios a un tratamiento posterior más áspero que involucra las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figura en la pintura. E cuanto al grabado podría hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su madurez, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. 

Rembrandt realizó grabados durante gran parte de su carrera. (1626 a 1660), hasta el momento en que dificultades económicas le hicieron vender su taller de estampación y abandonar virtualmente el medio. En ese lapso de tiempo, y solo durante 1649 no produjo ninguna obra. Se adaptó facilmente al lenguaje básico de esa técnica, y aunque dominaba el uso del buril y era un experimentado grabador, el valor fundamental de su obra calcográfica es la libertad técnica. Al principio utilizaba un estilo basado en el dibujo, pero pronto comenzó a desarrollar una estética mas próxima a la de la pintura, combinano masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar distintos niveles de profundidad.

En sus obras más maduras, en la década de 1650, Rembrandt parece mostrarse más receptivo a la improvisación sobre la plancha y se han conservado grandes series de estampaciones, que en ocasiones llegan a 11 estados rdicalmente distintos. Experimentó con efectos de impresión sobre diferentes papeles, como el papel japonés que usaba con especial frecuencia, o el papel vitelaDel mismo modo recurrió al entrapado, como medio para obtener un tono superficial. También fue muy hábil en el uso de la punta seca y realizó numerosos paisajes en los que aprovecha las posibilidades estéticas que la línea realizada con esta técnica ofrecía en las primeras estampaciones.

Sus grabados se ocupan de temas similares a los de su pintura, aunque mostraba cierta predilección por los autorretratos (se conservan 27 grabados) y los retratos oficiales escasean. Se le atribuyen 46 paisajes, generalmente de pequeño formato, que se convirtieron en la definición del tratamiento gráfico del tema hasta bien entrado el siglo XIX. Un tercio de sus grabados tratan temas religiosos, que van desde la llaneza a lo monumental. Se destacan igualmente algunas imágenes eróticas que rozan la obscenidad y que no encuentran equivalente en su producción pictórica. Aunque finalmente se vio obligado a deshacerse de ella, Rembrandt poseyó una magnífica colección de estampas de otros artistas como Mantegna, Hercules Pieterszoon Seghers y Giovanni Bebnedetto Castiglione, quienes pudieron ejercer cierta influencia gráfica, al igual que José de Ribera, cuyos grabados conoció. 

En Holanda, la mayor colección de Rembradt está reunida en el Rijksmuseumde Amsterdam, que cuenta con obras como La noche de Rondas o La novia judía. Varios de sus autorretratos están expuestos en el Mauritshuis de La Haya. En su domicilio de Amsterdam, convertido en una casa-museo se exponen ejemplares de muchos de sus grabados , los hay, además, repartidos por las principales colecciones de grabados de todo el mundo. 

Fuera de su país, las mayores colecciones de pinturas de Rembrandt se localizan en la National Gallery de Londres, la Gemäldegalerie de Berlín, el Hermitage de San Petersburgo, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, el Louvre de París, y otros museos de Nueva York, Washington y Kassel. Algunas de las pinturas de Rembrandt se han localizado en instituciones y colecciones privadas en California del Sur. La presencia del artista en colecciones de España es muy limitada, solo dos cuadros y grabados, aunque incluye obras importantes. El Museo del Prado posee el cuadro bíblico Judith (anteriormente conocido como Artemisa). El Museo Tyssen-Bornemisza posee un autorretrato, que tras dudas de autoría se ha confirmado como original. La Biblioteca Nacional de España posee un nutrido conjunto de grabados, entre los que se destaca un Autorretrato con retoques a lápiz del propio artista. 

Alfred Sisley

ALFRED SISLEY

Alfred Sisley (1839 - 1899). Pintor anglo-francés nacido en París el 30 de octubre de 1839 y muerto en Moret-sur-Loinge, el 29 de enero de 1899. Sus primeras influencias artísticas provinieron de los paisajistas ingleses y de la Escuela de Barbizon. Luego tuvo estrecha relación con Claude Monet y otros impresionistas. De esta escuela, aunque no muy conocido en vida, fue uno de sus pintores más característicos por su temática y por su estilo: efectos de luz en paisajes (especialmente acuáticos), pincelada muy suelta y colores agradables. Pintó principalmente la naturaleza de los alrededores de París.

Pertenecía a una familia de origen inglés y mantuvo esa nacionalidad al no poder obtener la francesa a pesar de haberla solicitado en dos ocasiones (1888/89)Su padre, William Sisley, comerciante rico, deseaba que continuase con sus negocios, y lo envió a Inglaterra entre 1857 y 1861 para que estudiase el idioma. Sin embargo, al volver se interesó por el arte y con permiso paterno entró en 1862 en el taller del pintor Charles Gleyle. Allí conoció a Jean Frédéric Bazille, Claude Monet y Auguste Renoir, ninguno de ellos gustó del concepto de paisaje de su maestro, y en 1862 lo abandonaron y se trasladaron al pueblo de Chailly-en-Bière (cerca del bosque de Fonainebleau) para pintar al aire libre.

Bajo la influencia de la Escuela de Barbizon, Sisley realizó numerosos paisajes de colores suaves, matizados mediante luces y sombras, con el objetivo de captar la atmósfera de la naturaleza. En 1866 presentó en el Salón de París dos cuadros, uno de los cuales era Camino de castaños en la Celle-Saint-Cloud, de 1865. Ese mismo año (1866) estuvo en Honfleur y nuevamente en Chailly-en-Biére, donde pintó nuevos paisajes y naturalezas muertas. Obras de estos años fueron Carretera junto a un pequeño pueblo (alrededor de 1865) o Calle en Marlotte: mujer yendo al bosque (1866). Solía asistir a las tertulias del parisino Café Guerbois, y conoció al marchante de arte PaulDurand-Ruel.

En 1870, al comenzar la guerra Franco-Prusiana se exilió en Londres, al año siguiente murió su padre, y a causa de la guerra y de los levantamientos revolucionarios su familia quedó arruinada. Sisley debió, en lo sucesivo, vivir de su pintura. Se estableció en Louvenciennes hasta 1875, y continuó visitando diversos lugares de los alrededores del río Sena: recorrió Argenteuil, Bougival, Sèvres y VoisinsPor entonces su paleta era ya más clara y aplicaba la técnica claramente impresionista, muy influenciada por Monet, de esta época datan El canal de Saint-Martin (1870), Nieves tempranas en Louvenciennes (1870/71), Bote durante una inundación (1871), La plaza de Argenteuil (1872), El puente de Villeneuve-la-Garenne (1872), Louvenciennes. El camino de Sèvres (1973), El Sena de Bougival en invierno (1873) y Otoño. Bancos del Sena cerca de Bougival. (1873).

En 1874 formó parte de la primera exposición impresionista que se organizó en casa del fotógrafo Félix Nadar, amigo de varios de los pintores de ese estilo, y en julio de ese mismo año viajó nuevamente a Inglaterra, invitado por el músico Jean Baptiste Faure. En años subsiguientes expuso más obras en las exposiciones impresionistas , salvo en 1879 y 1880 (como tampoco en la última de 1886). Desde 1874 había residido en Marly-le.Roy, y entre 1877 y 1880 hizo lo propio en Sèvres, atraído por los paisajes húmedos, que le posibilitaban observar el reflejo de la luz sobre el agua, y también el efecto de la nieve en invierno. Pintó por entonces Inundación en Pont-Marly (1876), La barca durante la inundación (1876), El Sena en Suresnes (1877), Nieve en Louvenciennes (1878), Estación en Sèvres (1879). En 1878 comenzó a frecuentar Moret y las orillas del río Loing, con estancias cortas en Veneux-Nadon y el cercano valle del río Sena.

En 1889 se estableció definitivamente en Moret-sur-Loing, también próximo al bosque de Fontainebleu. Todavía realizó dos viajes breves a Normandía (verano de 1884) e Inglaterra y Gales (primavera de 1897). A partir de 1890 fue miembro de la Societé Nationale des Beaux-Arts (Sociedad Nacional de Bellas Artes). Su pincelada en ese tiempo ya era muy difusa, casi puntillista, con colores suaves y fundidos entre sí, a estos años pertenecen Camino a través del bosque en Roches-Courtaut, Verano de Saint-Martin (1880), Mujer con parasol: escena veraniega (1883, uno de los pocos cuadros no paisajísticos), Vista de Saint-Mammès (1885), Un corral cerca de Sablons (1885), Moret-sur-Loing (1891), El canal de Loing en Moret (1892), La iglesia de Notre Dame en Moret (1893) y Los bancos del Sena, viento soplando (1894).

Al comenzar la década de los años noventa enfermo, con pocos medios, vivió modestamente hasta su muerte en 1899 a causa de un cáncer de garganta, un año antes había muerto su esposa. Los restos de Sisley fueron enterrados en el cementerio de Moret-sur-Loing, estando presentes sus amigos Monet y Renoir. El contenido de su estudio fue vendido a la galería Geroges Petit de París. La obra de Sisley, paisajes en casi su totalidad, fue una de las más características del impresionismo, a pesar de que durante su vida no fuese especialmente conocida ni valorada, salvo por sus compañeros de estilo y algunos críticos como Théodore Duret y Adolphe Tavernier. No fue hasta después de su muerte que sus cuadros comenzaron a venderse con facilidad.

Paul Cézanne

PAUL CÉZANNE

Para buena parte de los pintores de vanguardia, especialmente Matisse y Picasso, Cézanne sería el padre de la modernidad. Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence. Su padre, comerciante de origen italiano se dedicaba a la fabricación y exportación de sombreros. Entre 1848 y 1849 el pequeño Paul asistirá a la Escuela Primaria, donde conoce a Achille Emperarie (paralítico, se dedicaba a la pintura). En 1848 su padre se asocia con Cabassol, el cajero de la Banque Bargès (que había quebrado), y funda, el 1. de junio la Banque Cézanne et Cabassol. Se trata de la única banca financiera en AIx y sus alrededores, lo que motivará su rápido y espectacular progreso.

En 1849 Cézanne se matricula en l'Ecole Saint Joseph. En esta institución educativa conocerá al futuro escultor Phillipe,  Solari y a Henri Gasquet, cuyo hijo Joachim será buen amigo del pintor. En 1852 se cambia de colegio, acudiendo al Collège Bourbon, donde entablará una estrecha amistad con el futuro escritor Emile Zola, y con Jean Baptiste Baille. En estos momentos Cézanne parece más inclinado hacia la poesía, mientras que Zola se aficiona al dibujo, cambiando posteriormente sus papeles. Los tres amigos realizan numerosas excursiones por los alrededores de AIx, surgiendo desde ese momento la estrecha relación del futuro pintor con el paisaje provenzal. 

En 1847 Paul inicia sus estudios artísticos en l'Ecole Municipal libre du Dessin, tutelkado por el pintor Joseph Giber, tomando nuevamente contacto con Emperarire. El joven Cézanne también se interesa por la música y toca junto a Zola en una orquesta. Al año siguiente aprueba el bachillerato sufriendo una profunda depresión por la marcha de Zola a París. A pesar de que el joven Cézanne desea ser pintor, su padre rechaza terminantemente las ideas de su hijo. En 1859 inicia estudios de leyes en la Universidad de Aix-en-Provence, estudios que se compaginan con la asistencia al Ecole municipal Libre de Dessin. Será a las afueras de Aix, en la finca paterna, donde el joven Césanne pintará una serie de murales alegóricos.

El apoyo de su madre y de su hermana Marie, con la que mantendrá un estrecho contacto durante toda su vida, provocarán un cambio en la opinión paterna, aqccediendo que el joven artista se traslade a París para continuar con los estudios pictóricos, poniendo, como única condición, que perfeccione su técnica en la Escuela de Bellas Artes. Es así, como en abril de  1861 el joven se traslada finalmente a París. Se matriculará en la academia Suisse, donde conocerá a Armand Guillaumin, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Claude Monet. Visitará con frecuencia el Museo del Louvre, donde admirará la obra de los maestros clásicos: Rubens, Rembrandt, Tiziano, Tintoretto, Veronés, Chardin....El suspenso en el examen de ingreso de la Escuela de Bellas Artes resulta ser un verdadero mazazo a su autoestima, pues se consideraba que no tenía el suficiente talento para convertirse en un artista. Derrotado regresa a Aix, después de 6 meses en la capital francesa y decide trabajar en el banco de su padre.

En noviembre de 1862 regresa a París, acudiendo nuevamente a la Academie Suisse, dedicándose al estudio de desnudos sin la guía de un profesor y frecuenta el Café Guerbois, donde se reúnen los jóvenes artistas liderados por Manet. Allí tomará contacto con sus amigos de la Academia y con Bazille, Sisley y Fantin-Latour. En 1863 toma parte del Salón des Refusées, junto con otros artistas a los que se les ha negado la participación en el Salón oficial. Sus obras gozan de cierta veta romántica, manifestando una decidida influencia de Delacroix, Coubert, , Corot y los pintores de la Escuela de Barbizon.

En el verano de 1864 regresa a Aix, iniciando una etapa en la que constantemente viaja entre París y Aix, trabajando en una serie de obras caracterizadas por la violencia y el erotismo. Su afán de triunfar en el Salón Oficial lo llevará a enviar año tras año sus trabajos a esta institución, obteniendo siempre el rechazo por parte del jurado. 

En el verano de 1872, los Cézanne (a esta altura había iniciado una relación con Hortense Fiquet y había nacido su hijo, Paul), se trasladan a Portoise, localidad cercana a París, invitados por Camille Pissarro. En esta estancia se produxirá un significativo cambio en el estilo de Cézanne, ya que empezará a pintar al aire libre y empleará una paleta y una pincelada vinculada al impresionismo. 

A finales de año se muda a la casa del Dr. Gachet (médico y gran amigo de los artistas impresionistas) en Auvers-sur-Oise, donde permanecerá hasta la primavera de 1874, resultndo de esta etapa su obra Casa del ahorcado, y desde allí visitará con frecuencia París, donde se encontrará con Van Gogh. Tras numerosos esfuerzos, entre abril y mayo de 1874 se realiza la primera exposición conjunta de los jóvenes creadores, utilizando como sala de exposición, las instalaciones del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capuchins. Si bien no participa en la primera exposición, sí lo hará en aquella de 1877 con 16 lienzos, aunque lo único que recibe son críticas e insultos por parte del público. Esta situación supondrá el rechazo del mundo cultural  parisino y su paulatino alejamiento del estilo impresionista, para comenzar un camino en solitario, entrando, en lo que hoy se conoce como neo- impresionismo. Solo Pissarro, Monet  Renoir seguirán manteniendo relaciones con aquel ermitañode Provenza.

La bronquitis se presenta por primera vez en 1877, al año siguiente el padre de Césanne conoce la existencia de Hortense y el niño, e inmendiatamente reduce la asignción mensual de su hijo a la mitad. Desde aquel momento será Zola, quien gozaba de bastante éxito en aquel momento, quien ayude económicamente al pintor y su familia, a pesar de que aquella relación de amistad se resquebrajaba cada vez más, hasta que, finalmente, la amistad quedó enterrada. En 1882 una de sus obras finalmente será admitida en el Salón de París. 

El año 1886 sería especial para Cézanne. Finalmente decide casarse con Hortense, aunque la  boda ya no solucionaba el distanciamiento que existía entre ambos. En marzo se publica la novela de su todavía amigo Zola titulado La obra, en la que el protagonista, Claude Lantier, es un pintor genial que lucha contra el mundo para realizar su obra maestra, acabando emloqueciendo y cometiendo suicidio. Cézanne se identifica con Lantier, escribe una carta a Zola y rompe definitivamente con él. Su reclusión en Aixes interrumpido por un viaje que realiza con su familia a Suiza, lo que lo llevará a desarrollar la máximo capacidad creadora, empezando a trabajar en la serie de los jugadores de cartas, y continuando con su naturaleza muerta, tratando de transmitir la estructura de los objetos. 

Sus trabajos comienzan a ser cada vez más demandados, y los jóvenes artistas como Gaugin lo consideran una fuente fundamental de inspiración. En 1900 se exponen tres de sus lienzos en la muestra 100 años de Pintura Francesa, durante la Exposición Mundial de París., y ese mismo año realiza su primera exposición en Alemania. Al año siguiente expondrá en el Salón de los Independientes. La culminación de estas muestras será la exposición de 33 obras en el Salón de Otoño de 1904. El 22 de octubre de 1906 fallece de una pulmonía en su piso de aix-en-Provence, la localidad que lo vio nacer y cuyos alrededores inmortalizó en un buen número de lienzos, especialmente la montaña Saint-VIctoire. Al año siguiente el Salón de Otoño organizaba una gran exposición conmemorativa, que contenía 56 cuadros del ermitaño de Aix, iniciándose el llamado Mito Cézanne.

Diego Vélazquez

DIEGO VELÁZQUEZ

Maestro sin par del arte pictórico, el sevillano Diego Velázquez adornó su carácter con una discreción, reserva y serenidad tal que, probablemente nunca se sabrá más sobre su psicología. La importancia de Velázquez, al margen de su propia personalidad, radica en su capacidad de tratar de un modo magistral, a lo largo de su dilatada carrera, la mayoría de los grandes temas pictóricos de su época. Consumado retratista, no fue sin embargo inferior su calidad de obras de género mitológico, religioso, alegórico y paisajístico.

Nació en Sevilla en 1599 como Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Por parte paterna de origen portugúes y por parte materna de origen sevillano, sus antepasados fueron quizás hidalgos, pero sin especial significación ni económica ni social.


El joven Velázquez, bien dotado desde la infancia para la pintura, inicia su formación hacia 1609, pasando algunos meses en el taller de Herrera el Viejo, pintor prestigioso de la ciudad y conocido por su mal carácter. Al parecer el joven no pudo soportarlo, y en 1610 formaliza contrato de aprendizaje con el pintor sevillano Francisco Pacheco. Un año más tarde se casa con la hija de su maestro de pintura.


En esta etapa inicial procura y no lo consigue con gran maestría dominar el natural, lograr la representación del relieve y de las calidades lográndolo y sirviéndose del tenebrismo, de la fuerte luz que dirigida acebtúa los relieves y singulariza mágicamente las cosas más vulgares al colocarlas en un primer plano de luz y significación.


En 1623 el Conde Duque de Olivares lo llama a Madrida realizar un retrato equestre del joven rey, el cual es celebrado por la corte y desde ese momento se inicia el proceso de transformación humana y artística del pintor sevillano.

En la corte rápidamente se granjea el afecto del rey, ello lo conduce a la obtención de dos altos puestos en la vida palatina y la obtención del título de Caballero de Santiago, que se reservaba solo a los más altos cargos de nobleza de sangre, estableciéndose en Madrid.


En agosto de 1628 aparece en Madrid Rubens, con cartas para la arqchiduquesa  Isabel Clara Eugenia y ocho grandes cuadros para el rey. Rubens, que en aquel tiempo ya gozaba de una gran fama mundial, es 22 años mayor que Velázquez, causando una gran impresión en el  pintor sevillano. 


El 10 de agosto de 1629 Velázquez parte hacia Italia. Este viaje representa un cambio decisivo en su pintura. Desde el siglo anterior muchos artistas de toda Europa viajaban a Italia para conocer el centro de la pintura europea admirado por todos, un anhelo compartido también por Velázquez. Además era el pintor del rey de España y por ello se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras que solo estaban al alcance de los más privilegiados.


La asimilación del arte italiano en el estilo de Velázquez se comprueba en La fragua de Vulcano y La túnica de José, lienzos pintados en aquel momento por iniciativa propia y sin encargo de por medio. Copió los frescos de Miguel Ángel y Rafael en las estancias vaticanas, estudiando a los grandes maestros antiguos. También se supone que estuvo en contacto con los artistas italianos más famosos de aquel tiempo, como Claudio de Lorena y Gian Lorenzo Bernini, entre otros. Asimismo estuvo en Roma, donde pintó La entrada a la gruta y El pabellón de Cleopatra-Ariadna, ambos en los jardines de la Villa Médicis. Permaneció en Roma hasta el otoño de 1630 y regresó a Madrid pasando por Nápoles, donde pudo conocer a José de Ribera, que se encontraba en su plenitud pictórica.


A su regreso a Madrid en enero de 1631 retoma sus actividades palaciegas y recibe el reconocimiento y afecto de Felipe IV, que ha visto en sus extraordinarias condiciones, transformándose en su pintor de por vida. En esta época su actividad pictórica en el palacio será muy intensa, ya que se está construyendo en aquella época el Palacio del Buen Retiro y para su decoración se hacen encargo a varios pintores importantes.

Velázquez realizará una serie de soberbios retratos equestres de los reyes Felipe III, Felipe IV, de sus respectivas esposas y del príncipe heredero a fin de decorar los testeros del salón de Reinos. Asimismo se pintan cuadros de batallas mostrando los triunfos de la monarquía, una de aquellas pinturas es La  rendición de Breda o Cuadro de las Lanzas.


Junto a las obras del Palacio del Buen Retiro también trabaja para la Torre de Parada, palacete de caza, donde Felipe IV formó una excelente colección de pinturas. Para este lugar realiza una serie de retratos de miembros de la familia real en traje de caza, en un tono discreto y sencillo, en escenarios de montaña, representando actividades cinegéticas.


Para la Torre de Parada pintó también ciertas figuras de carácter mitológico o literario, como el Marte, Mesipo y Esopo. De esta época también es el Cristo Crucificado,  realizado por encargo real, y destinado al convento de San Plácido.


También pintó para el oratorio de la reina La coronación de la Virgen y para una de las ermitas del jardín del Buen Retiro el gran lienzo de San Antonio Abad y San Pablo Ermitaño. Entre los años treinta y los años cuarenta también corresponden una serie de retratos de enanos y bufones de la corte, personajes singulares que pululaban en torno al rey, al que divertían y advertían de la realidad, con un grado de sinceridad y familiaridad sorprendente.


El segundo viaje del pintor a Italia se inicia en octubre de 1648. En aquel momento el pintor ya era un hombre maduro, y tenía el encargo del monarca para adquirir obras de arte para la colección real. 


Permanece en Roma todo el año 1650 y se le abren las puertas del Vaticano, dado su condición de pintor real, recibiendo el encargo de realizar el retrato de Inocencio X. El lienzo sorprendió a los romanos, por lo que se le abren las puertas de la Academia de San Lucas y la de Virtuosi al Pantheon. La obra refleja la personalidad cruel, recelosa y vulgar del papa, imponiendo su gran técnica con un acorde de rojos deslumbrantes y novedosos para la época. 

Se cree con bastante fundamento que el pintor sevillano regresara de Roma con una pieza excepcional: su cuadro La Venus del espejo, el único desnudo del siglo XVII. Sobre él se plantean varios enigmas: se ignora la real fecha de su elaboración, así como también el lugar (para algunos se realizó en España, otros sostienen que fue pintada en Italia), impregnado, sobre todo, por el clima de libertad que había en Italia, muy diferente al que se respiraba en el inquisitorial territorio español. En realidad, lo único que se sabe con certeza, es que dicho cuadro le fue encargado por el Marqués de Heliche, sobrino del Conde Duque de Olivares, en aquel instante favorito del rey.


De regreso a España las pinturas y esculturas que había traído de Italia complacen sobremanera al monarca, quien lo nombra aposentador mayor del palacio, y la amistad y cariño que siempre le había manifestado se refuerza y permanece hasta la muerte del pintor.


Este cargo es de máxima responsabilidad palaciega y lo inserta aun más en la vida cortesana, ha de ocuparse de modo de mayordomo o intendente de toda la vida palaciega, de los desplazamientos del rey y decoración de ceremonias. Se le encomienda la decoración del Alcázar, para ello pinta cuatro lienzos mitológicos, de los que se conserva solo el de Mercurio y Ergos.


En estos años retrata a los miembros de la familia real, siendo la más retratada de todas la Infanta Margarita, la Infanta María Teresa y el Infante Felipe Próspero, al que retrata en un magnífico cuadro acompañado de su perrito, y Las Meninas o La Familia, como era conocida en aquel momento.


En Las Meninas hay un misterio con respecto a la  composición. Si se observa solo al pintor que pinta y el espejo que hay en el fondo se puede llegar a pensar que su idea original  era el de retratar solo a los reyes, lo que hace que estos ocupen el mismo lugar que los espectadores que la contemplan, dotando a la tela de una profundidad y tratamiento del espacio novedosas en aquel tiempo.

El cuadro está pintado a la última manera de Velázquez, la que empleó desde el regreso de su segundo viaje a Italia. En esta última etapa se aprecia una mayor dilución de los pigmentos, un adelgazamiento de las capas pictóricas, una aplicación de las pinceladas desenfada, atrevida y libre. Las Meninas se realizó de manera rápida e intuitiva, según la costumbre de Velázquez de pintar primero el motivo  en vivo y de hacerlo con espontaneidad.


Las Hilanderas o Fábula de Aragne también pertenece a este período, siendo una de las pocas grandes obras maestras de la historia de la pintura. En un primer plano se observa a unas trabajadoras, bonitas, con una extraordinaria composición de actitudes de movimientos, especialmente la que hace girar la rueda del torno. En el fondo, con una técnica que aun hoy en día no ha podido ser igualada, se observan a unas damas, posibles clientas de la casa, ante las que se exhibe un hermoso tapiz, este reproduce a un maravilloso cuadro de Tiziano, El rapto de Europa. 


Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la iglesia San Juan Bautista, lugar que fue arrasado en la Guerra de la Independencia, y nadie se ocupó de salvar sus restos. En 1961, en el lugar que ocupaba la antigua iglesia, se alzó una modesta columna que señala la morada eterna del ilustre pintor.


Tras su muerte Velázquez fue objeto de admiración por parte de muchos artistas. La huella del pintor se pone de manifiesto en trabajos de artistas tan extraordinarios como Francisco de Goya. En este sentido, podemos encontrar alusiones a Las Meninas en La familia de Carlos IV, obra que el aragonés realizó  en 1801. Ambas pinturas tienen como tema principal el artista trabajando en compañía de la familia real. Sin embargo Goya optó por una composición sobria y de escasa profundidad que contrasta con el dinamismo y la abundancia de Velázquez.


Muchos especialistas han puesto de relieve su importancia para la pintura del siglo XIX. A partir de una deslumbrante variedad  pinceladas y una sutil armonía de colores, logró efectos de forma, textura, luminosidad y atmósfera que lo convierten en un precedente de la pintura impresionista. Las propuestas de artistas como Édouard Manet, Auguste Renoir o Claude Monet deben mucho a la lección de Velázquez.


No menos significativa ha sido su huella en el arte del siglo XX. Nada menos que el malagueño Pablo Picasso, el más importante artista de la centuria, se basó en Las Meninas para elaborar diversas series de composiciones. Otros notables artistas modernos como Francis Bacon, Antonio Saura o Manolo Valdés también se inspiraron en su pintura para elaborar algunas de sus propuestas más destacadas.